Le précédent Falstaff présenté au Théâtre des Champs-Élysées n’était guère ressemblant. Pour mieux marquer sa différence, Herbert Wernicke, disparu entre la création aixoise et la reprise parisienne de sa mise en scène, l’avait en effet voulu noir, et non plus pansu. Rien de tel avec cette nouvelle production qui prend sa source dans la lettre du livret d’Arrigo Boito.

Et le moindre mĂ©rite de Dominique Meyer n’est pas d’avoir rĂ©uni des chanteurs en majoritĂ© italiens, guidĂ©s par un metteur en scène, italien lui aussi, qui a su leur insuffler l’esprit de troupe. Car lĂ  sont les deux clĂ©s de Falstaff : la langue – qu’on ne saurait mieux caractĂ©riser qu’AndrĂ© Tubeuf par « sa fluiditĂ© (mais attention ! Al dente surtout !!), sa brièvetĂ©, son naturel, sa suffisance Â» – et les ensembles.

Il y faut aussi, bien sûr, des personnalités, notamment pour son rôle-titre plus gros que nature. Alessandro Corbelli, qui n’oublie jamais qu’il vient de Mozart et Rossini, le prend, sans doute pour cette raison même, au sérieux. C’est-à-dire avant tout qu’il le chante, et avec suffisamment de clarté et de souplesse pour varier la ligne et la couleur : un Falstaff qui s’écoute autant, voire plus qu’il ne se regarde.

Les scrupules du musicien, si rares dans un rôle où tant de barytons vieillissants se sont adonnés à la caricature, n’effacent pas pour autant les mérites d’un comédien subtil jusque dans ce supplément d’emphase du geste, de la démarche, du compliment qui font le personnage d’une autre époque, et donc ridicule aux yeux de la nôtre qui s’empresse de traduire virtù par vertu, réduisant le sens que ce mot revêtait, au même titre que l’Onore, pour un audace e destro Cavaliere.



En transposant l’action au temps de la crĂ©ation de l’opĂ©ra, Mario Martone a voulu montrer ce passage d’une Ă©poque Ă  l’autre et les dĂ©sillusions qui l’accompagnent. Est-ce pour cette raison que la scĂ©nographie de Sergio Tramonti, qui sait faire bon usage de la verticalitĂ©, est si tristement brunâtre, Ă  peine colorĂ©e dans le parc de Windsor par ce chĂŞne empruntĂ© Ă  un jeune « Mondrian qui ressemble Ă  Van Gogh Â» ? Par bonheur, l’animation n’y manque pas, grâce Ă  une direction d’acteurs au cordeau qui n’oublie jamais de paraĂ®tre spontanĂ©e. MĂŞme Ludovic TĂ©zier, habituellement si empesĂ© dans son costume de chanteur, s’y amuse et nous amuse, sans que la somptuositĂ© du timbre et de la ligne en soient jamais altĂ©rĂ©es.

Ainsi donc, Anna Caterina Antonacci fait très irrésistiblement la biche. Il serait même impossible de résister à son Alice si l’émission de l’aigu n’était à ce point aléatoire, déstabilisant les miraculeuses ascensions de Ma il viso tuo su me resplendirà – dieu sait qu’il n’est pas de mélodie plus belle dans cet opéra auquel on a reproché de ne pas en avoir. Car tout le reste, chez la soprano italienne, est à se pâmer, dans le jeu comme les couleurs vocales qui découlent naturellement d’une langue savourée avec ce supplément d’esprit qui est le privilège des natifs.

Une Mistress Quickly renversante

Et si la Meg de Caitlin Hulcup a assurément du maintien, la Mistress Quickly de Marie-Nicole Lemieux est proprement renversante. Un bras en écharpe, conséquence d’une mauvaise chute durant les répétitions, n’allait certes pas empêcher la truculente québécoise de s’incliner molto ossequiosamente devant le Pancione ou de se faire improbable flamenca dans une scène de torture tourbillonnante. Mais surtout, la voix a gagné tant en assise qu’en longueur, et donc en ampleur comme en projection, se délectant de ses résonances de poitrine sans perdre son chatoyant velouté dans l’aigu.

Le couple de jeunes tourtereaux est en revanche assez mal assorti. Malgré tout le soin porté à la dynamique, l’émission dopée à la testostérone du jeune Francesco Meli prive Fenton de naïveté poétique. D’autant qu’elle écrase plus d’une fois le timbre si gracile d’Amel Brahim-Djelloul, dont le minois à peine sorti de l’adolescence convient idéalement à Nannetta, pour laquelle lui fait cependant défaut cette confiance nécessaire en la maîtrise de ses moyens qui libèrerait enfin des aigus encore contraints sul fil d’un soffio etesio.

Mais puisque la verve comme le verbe des comprimari – le sont-ils seulement ? – sont pur régal, ce plateau a décidément fort belle allure. Avec ses cordes graves de rêve étouffées par la fosse du Théâtre des Champs-Élysées – du moins au parterre –, l’Orchestre de Paris n’est sans doute pas l’instrument idéal pour Falstaff, d’une pâte sonore insuffisamment ductile.

Peut-être la comédie se joue-t-elle aussi davantage, sous la direction enlevée d’Alain Altinoglu, dans le rythme qu’à travers les entrelacs de timbres du dernier Verdi, qui sont à eux seuls un théâtre. La sûreté avec laquelle le chef français mène et équilibre les ensembles, sans que jamais personne ne se perde en chemin, n’en est pas moins la marque des authentiques maestri concertatori.