On le savait prosateur affûté, librettiste à l’occasion, le voici désormais metteur en scène. Ivan Alexandre n’est certes pas le premier à avoir franchi le pas de la critique au théâtre. Ainsi, Jean-Louis Martinoty, passé de l’Humanité à la direction de l’Opéra de Paris, étale depuis plus de trente ans son érudition dans des exégèses souvent pédantes et encombrées d’accessoires, dont l’opéra baroque, ou assimilé, est la cible régulière. Savant, le quasi-débutant – il a déjà signé une Rodelinda de Haendel à Buenos Aires –, l’est assurément, mais lui n’a pas oublié d’être poète.

Soixante-dix ans séparent la création de Cadmus et Hermione de Lully, acte de naissance de la tragédie en musique, ressuscité en janvier 2008 par Benjamin Lazar, de celle, le 1^er octobre 1733, d’Hippolyte et Aricie de Rameau, première contribution au genre d’un compositeur cinquantenaire. À première vue, l’approche d’Alexandre relaie celle du disciple d’Eugène Green, prophète de l’art théâtral baroque : vols, changements à vue et kilomètres carrés de toiles peintes, rien ne manque à la reconstitution historique.

Mais il y a quelque chose en plus. Et ce quelque chose, qui dès l’ouverture du rideau nous submerge, c’est la part de rêve. Celle-là même qui creuse un gouffre entre une traduction littérale et une traduction poétique, respectueuse du mètre sans jamais en être prisonnière. Dès lors surgit le théâtre. Parce que la mise en œuvre d’un vocabulaire spécifique, jusque dans sa précision, n’est plus une fin en soi, une démonstration, mais un voyage imaginaire dans un passé idéalisé.



C’est pourquoi les somptueuses toiles d’Antoine Fontaine sont peintes en couleurs un peu fanées, la lumière d’Hervé Gary n’a pas l’univocité d’un éclairage à la bougie, les costumes de Jean-Daniel Vuillermoz ne donnent jamais l’impression de peser sous des étoffes trop lourdes et emplumées. C’est pourquoi, enfin, les solistes, sinon les choristes, ne se figent jamais dans des poses rigoureusement plaquées. Et quelle fluidité dans les enchaînements, que de surprises dans les apparitions divines, que de grâce et de fantaisie dans les ballets jamais livresques réglés par Natalie van Parys, que d’émerveillement sans cesse renouvelés.

Dans sa lettre Ă  l’illustre librettiste Antoine Houdar de la Motte, Rameau rĂ©sumait ainsi les vertus d’un bon compositeur de musique théâtrale : « Il serait donc Ă  souhaiter qu’il se trouvât pour le théâtre un musicien qui Ă©tudiât la nature avant de la peindre, et qui, par sa science, sĂ»t faire le choix des couleurs et des nuances dont son esprit lui auraient fait sentir le rapport avec les expressions nĂ©cessaires. Â» Ne changez qu’un mot, et ce portrait pourrait ĂŞtre celui d’Ivan Alexandre.

Quant Ă  celui du Concert d’AstrĂ©e, nous laissons Ă  Jean-Jacques Rousseau le soin de le tracer : « Ce n’est encore rien d’être ensemble, de jouer fort ou doux, et de bien suivre un acteur. Renforcer, adoucir, appuyer, dĂ©rober des sons, selon que le bon goĂ»t ou l’expression l’exigent ; prendre l’esprit d’un accompagnement, faire valoir et soutenir des voix Â» n’est sans doute plus, comme le dit le philosophe, « l’art de tous les orchestres du monde Â», mais ce qui fait encore et toujours dĂ©faut Ă  l’ensemble d’Emmanuelle HaĂŻm. Les carrures manquent de variĂ©tĂ©, les danses de rebond, la couleur de densitĂ©, d’identitĂ© surtout. Et si la basse continue fait preuve d’une belle Ă©loquence, les chanteurs n’y rĂ©pondent pas tous avec la mĂŞme sensibilitĂ©.

Une Aricie à l’étroit

Préférée du public du Capitole, qui l’a pour ainsi dire adoptée depuis cinq ans, Anne-Catherine Gillet semble à l’étroit dans le personnage d’Aricie, que sa voix à la fois pulpeuse et aiguisée excède, comme corsetée par les impératifs stylistiques. Philippe Talbot, qui ne devait succéder à Frédéric Antoun qu’à la représentation suivante, relève honorablement le défi de la haute-contre à la française, mais ne parvient pas à animer Hippolyte, prisonnier d’une déclamation trop quotidienne.

Jaël Azzaretti a du piquant, de l’abattage, et c’est exactement ce qu’il faut à l’Amour. Mais le vibrato de Diane et de sa grande prêtresse noient plus – Jennifer Holloway – ou moins – Aurélia Legay – leurs mots. Incontestablement plus bouffonne que furieuse, la Tisiphone d’Emiliano Gonzalez Toro nous réjouit de sa future Platée, tandis que les divinités à voix graves, Neptune et Pluton, manquent d’autorité et parfois de creux pour des abysses rendues plus inatteignables encore par le diapason à 400 Hz.

Glaçante dès son entrée – et avec quel maintien elle s’agenouille et se relève –, Allyson McHardy révèle un mezzo d’un marbre précieux, que fend une déclamation inspirée. Gigantesque enfin, le Thésée de Stéphane Degout, chante décidément, et sans que la voix jamais ne se distorde, le français le plus percutant et le plus noble qu’on ait entendu depuis longtemps.

De Rameau, Ivan Alexandre Ă©crit qu’« il suscitait trop d’admiration et pas assez de sympathie. Â» Les yeux encore pleins d’un songe que nous avons fait nĂ´tre, nous nous sommes surpris Ă  penser que le critique si longtemps admirĂ©, dont nous partageons modestement les principaux sujets d’étude, s’exposait dĂ©sormais, artiste de plein droit, Ă  notre sympathie.